- Was ist der Ursprung und die Geschichte des Theaters?
- Der griechische Ursprung des Theaters
- Der Ursprung des nicht-westlichen Theaters
- Liturgisches Drama und mittelalterliches Theater
- Die Blüte des japanischen Theaters
- Renaissancetheater und die Commedia dell'arte
- Der Eingang zur Moderne
- Das 20. Jahrhundert und die Gegenwart
Wir erklären den Ursprung und die Geschichte des Theaters in verschiedenen Teilen der Welt, von der Antike bis heute.
Was ist der Ursprung und die Geschichte des Theaters?
Das Theater, das künstlerische Genre, in dem die Literatur (Dramaturgie) und die darstellende Künste (Theateraufführung) ist eine der ältesten künstlerischen Ausdrucksformen der Geschichte. Menschheit.
Obwohl sein Ursprung üblicherweise auf die zurückgeht Antike Klassiker des Westens, die Wahrheit ist, dass fast alle antike Kulturen Sie hatten eine Art Theater oder ein sehr ähnliches Spektakel, mit dem sie ihre jungen Leute erzogen, zu ihnen beteten Götter oder erinnerte sich an ihre Mythen grundlegend.
Die ersten, die das Theater jedoch als eigenständige Kunstform, also als „dramatische Kunst“, verstanden, waren die alten Griechen des 6. bis 4. Jahrhunderts v. c.
Die alten Griechen feierten bestimmte Rituale religiös zu Ehren von Dionysos, dem Gott des Weins und der Fruchtbarkeit, bekannt als Bacchanalien. In diesen Riten das tanzen und Trancezustände waren normal, aber auch eine gewisse Erzählung und Inszenierung der Gründungsmythen, und aus letzterem entstand das Theater.
Der griechische Ursprung des Theaters
Es entstand im 6. Jahrhundert v. C. Dank eines Priesters des Dionysos namens Thespis, der eine wichtige Modifikation der Rituale einführte: a Dialog die er bei jedem Festival mit dem Chor hielt.
So wurde Thespis der erste Bühnenschauspieler. Tatsächlich laut Chroniken des III. Jahrhunderts a. C. Es war Thespis selbst, der den ersten Theaterwettbewerb in Griechenland gewann, der 534 v. Chr. in Athen stattfand. c.
Von da an waren Theaterwettbewerbe bei Festen zu Ehren des Dionysos weit verbreitet, die vier ganze Tage dauerten und unterteilte Holzkonstruktionen für Orchester, Publikum und Bühne um die Statue des Dionysos herum verwendeten.
Während des 5. und 4. Jahrhunderts v. C. das griechische Theater blühte und wurde unabhängig von der Verehrung religiös. Es war jedoch weiterhin ein Mechanismus der griechischen Gesellschaft, ihre jungen Menschen in der Religion, das Mythologie und klassische bürgerliche Werte.
Zu dieser Zeit entstanden die drei großen griechischen Dramatiker: Aischylos (525-456 v. Chr.), Sophokles (496-406 v. Chr.) und Euripides (484-406 v. Chr.), Autoren einer umfangreichen Reihe tragischer Stücke, die sich mit den großen griechischen Mythen befassten. Zusammen mit ihnen vermehrten sich große griechische Komödianten wie Aristophanes (444-385 v. Chr.).
Das Theater war in der griechischen Kultur so wichtig, dass der Philosoph Aristoteles (384-322 v. Chr.) davon inspiriert wurde, die erste Abhandlung über dramatische Kunst in der Geschichte der Menschheit zu schreiben: die Poetik ab 335 v c.
Ebenso war es für den damaligen Mittelmeerraum so wichtig, dass es der römischen Kultur als Vorbild und Inspiration diente, um zwischen dem 2. und 3. Jahrhundert v. Chr. ein eigenes Theater zu entwickeln. C. So entstanden so berühmte Autoren wie Plautus (254-184 v. Chr.) und Terenz (185-159 v. Chr.), deren Theaterstücke Sie waren Teil eines viel größeren Ereignisses in der römischen Kultur: den Römischen Spielen zu Ehren der Götter.
Die Römer nahmen auch das griechische dramaturgische Erbe in ihre Kultur auf und bewahrten es in lateinischer Sprache für viel spätere Leser auf.
Der Ursprung des nicht-westlichen Theaters
Auch im Osten der Welt, insbesondere in der alten Kultur Indiens, gab es in der Antike reiche Theatertraditionen. Das Theater Indiens entstand aus religiösen und zeremoniellen Tänzen.
Dieses Theater erwarb um das 4. und 2. Jahrhundert v. Chr. eine formelle Studie.C., nach dem zu urteilen, was die Natia-shastra, eine alte hinduistische Abhandlung über Tanz, Gesang und Drama, die dem Musikwissenschaftler Bharata Muni zugeschrieben wird (Datum ungewiss). Diese Arbeit untersucht insbesondere das indische klassische Theater, den Höhepunkt der Sanskrit-Literatur.
Bei dieser Art von Theater sehr stereotype Figuren erschienen als Held (Nayaka), die Heldin (Nayika) oder der Clown (vidusaka), inmitten mythologischer und religiöser Geschichten über die Herkunft der Götter. Die Aufführung bestand vor allem aus Tanz und Dialog der Schauspieler, verkleidet und geschminkt, aber ohne Bühne und Dekoration.
Das indische Theater wurde lange Zeit fast ohne Unterbrechung oder Veränderung praktiziert und erreichte seinen Höhepunkt zwischen dem 3. und 5. Jahrhundert n. Chr. Zwei der großen Dramatiker dieser Tradition waren Sudraka (3. Jahrhundert n. Chr.) und Kalidasa (4.-5. Jahrhundert n. Chr.), letzterer Autor großer Liebesspiele.
Eine weitere wichtige nicht-westliche Tradition, das Theater von China, entstand um das 6. Jahrhundert v. C. Es bestand hauptsächlich aus Tänzen, Akrobatik, Pantomime und rituellen Handlungen ohne definiertes Genre.
Die Schauspieler, alle männlich, könnten verschiedene Arten von stereotypen Rollen spielen, ob männlich (sheng), weiblich (Also), Comics (chou) oder Krieger (Ching). In vielen Fällen wurden Masken und Make-up verwendet.
Die chinesische Tradition inspirierte ähnliche Versionen in Japan und anderen südostasiatischen Nationen, die in späteren Jahrhunderten blühten und im Westen bis fast zum 19. Jahrhundert nicht bekannt waren.
Liturgisches Drama und mittelalterliches Theater
Nach dem Sturz von Römisches Reich, verlor das Theater im Westen seine alte populäre und religiöse Relevanz: Das liegt daran, dass die Christentum lehnte das Erbe ab heidnisch von Europa und er tat alles, um sich von dieser Tradition abzuheben und zu distanzieren. Im 10. Jahrhundert waren die christliche Liturgie und die Osterfeier jedoch zentrale Ereignisse in der christlichen Kultur und wurden mit großem Pomp und Kulisse aufgeführt.
So im Mittelalter Es entstand ein liturgisches Theater, das die wichtigsten Szenen der christlichen Mythologie wiedergab, wie den Besuch Maria Magdalenas am Grab Jesu Christi. Damit war eine reiche Tradition späterer christlicher Dramaturgie geboren.
Um das elfte und zwölfte Jahrhundert herum begannen viele französische Klöster, biblische Geschichten auf einer Plattform außerhalb des Tempels zu inszenieren, und gaben auch den lateinischen Kult auf, um einheimische Sprachen zu verwenden, die näher am Volk waren. Die Inszenierung der Genesis oder der Apokalypse oder das gequälte Leben von Heiligen, wie das der Heiligen Apollonia oder der Heiligen Dorothea, war üblich.
Als diese theatralischen Darbietungen komplexer wurden, wurden sie auf Festwagen oder mobilen Bühnen gezeigt, um die Liturgie und die kirchliche Geschichte in die verschiedenen Ecken des Landes zu tragen. Dies war besonders in Spanien beliebt und wurde unter dem Namen bekannt Sakramentale Autos, das heißt, Dramen der Eucharistie.
Ähnliche Veranstaltungen wurden zu dieser Zeit in England durchgeführt, insbesondere während der Der Leib Christi, und wurden zu populären Theaterformen, die bis ins 16. Jahrhundert in ganz Europa verbreitet waren.
Von da an tauchten seine Hauptkritiker auf: die protestantischen Puritaner, die den vorherrschenden Humor und Wagemut in seinen Darstellungen verurteilten, und die Humanisten Renaissance, die mit schlechten Augen ihre sah Frivolität und seine Verbindung mit einer bestimmten mittelalterlichen Tradition, von der sie sich zu lösen suchten.
Folglich wurden viele dieser Werke in Paris und in den Ländern des protestantischen Europas verboten, während sie im Europa der Gegenreformation, hauptsächlich in Spanien, florierten. große Autoren von Barock Spanier wie Lope de Vega (1562-1635), Tirso de Molina (1583-1648) und Calderón de la Barca (1600-1681) gelten als die größten Autoren der sakramentalen Handlung.
Die Blüte des japanischen Theaters
Unterdessen kristallisierte sich im Japan des 14. Jahrhunderts eine Aufführungskultur heraus. Als Erbe der Shinto-Tänze und buddhistischen Rituale, sowohl ihrer eigenen als auch von China und anderen asiatischen Nationen kopierten, unternahm das japanische Theater seine wichtigsten Schritte.
Von da an machten drei große Tendenzen ihre ersten Schritte:
- Das raffinierte lyrische Drama des Noh- und Kyogen-Theaters.
- Das literarische Puppentheater von Bunraku.
- Später das Kabuki-Theater, das dramatische Spektakel der Bourgeoisie.
Das Noh-Theater entstand um 1374 in Kyoto unter der Anleitung des Shogun Yoshimitsu und begründete eine wichtige Tradition der Theaterpatenschaft durch japanische Feudalherren.
Die meisten Werke in diesem Stil, die von männlichen Schauspielern, begleitet von einem kleinen Chor, mit unendlicher Anmut und Raffinesse aufgeführt werden, wurden in den folgenden Jahrzehnten von Kanami Motokiyo, seinem Sohn Zeami Motokiyo und später dem Schwiegersohn des letzteren geschrieben. Zenchiku. Seit dem 15. Jahrhundert wurden nur wenige neue Stücke für das Noh-Theater geschrieben.
Vielleicht aus diesem Grund erlebte das japanische Theaterpanorama gegen Ende des 16. Jahrhunderts einen gewissen Niedergang. Hinzu kommt das Verbot aller Theateraufführungen von 1629 mit Frauendarstellern, nachdem die Darbietungen der Shinto-Priesterin O-Kuni das Publikum in Kyoto in Aufruhr versetzt hatten.
Aus diesem Grund entstand zu Beginn des 17. Jahrhunderts ein neues japanisches Theater, um die Lücke zu füllen und die neuen bürgerlichen Empfindungen der Zeit widerzuspiegeln: das Kabuki, ein erfolgreiches Café-Theater, das sich üppiger Kulissen und aufwändiger Kostüme bediente, dessen Werke sie kam aus der literarischen Tradition und dem Puppentheater.
Renaissancetheater und die Commedia dell'arte
Wie in vielen anderen Kunst und Wissen, die Renaissance Europäisch markiert ein Vorher und Nachher in Theater und Dramaturgie. Die Werke wurden natürlicher, ihrer religiösen Verpflichtung entkleidet und retteten das theoretische Erbe des Aristoteles sowie die antiken Mythen und klassischen Symbole.
Der Triumph von Bourgeoisie als die neue dominierende soziale Klasse einen Wandel in der Theatersensibilität bestimmte und bald die Geburt neuer Genres und neuer Stile erlebt wurde, wie das spanische Barocktheater und das englische elisabethanische Theater, in deren Tradition große Namen wie Miguel de Cervantes und William auftauchten Shakespeare.
Die wichtigste der neuen Theaterformen war jedoch die italienische Commedia dell'Arte, die um 1545 als Straßen- und Volkstheater entstand, jedoch von professionellen Schauspielern aufgeführt wurde. Viele der Theatergruppen waren unterwegs, zogen von Stadt zu Stadt und errichteten behelfsmäßige Bühnen.
Dort stellten sie Stücke dar Komödie körperliche, theatralische Improvisationen und eigene Stücke deren Figuren sie waren leicht und schnell erkennbar, da sie immer die gleichen Masken trugen. Zum Beispiel, Hose er war ein pompöser und übellauniger alter Mann, dem währenddessen Witze und Streiche gespielt wurden Harlecchino war der scherzende und verwegene Diener, und Pulcinelli er war der bauchige, bucklige Schlagspezialist.
Von da an wurden in einem Europa, das immer mehr Wert auf Dramaturgie legte, neue Formen des Theaterspektakels populär. Das Tragikomödie wurde ein beliebtes Genre, eine Art Zwischenglied zwischen Komödie und Tragödie. Auch die Oper entstand im 17. Jahrhundert, und der sogenannte „italienische Stil“ des Theaters breitete sich in ganz Europa aus.
In diesem Zusammenhang erlebte das französische Theater einen wichtigen Aufschwung, der von renommierten Dramatikern wie Pierre Corneille (1606-1684) und Jean Racine (1639-1699), großen Autoren von Tragödien, und insbesondere von Jean-Baptiste Poquelin, besser wurde bekannt als Molière (1622-1673), Schauspieler und Autor von Komödien, Farcen, Tragikomödien und einigen der berühmtesten Werke in französischer Sprache.
Der Eingang zur Moderne
Die nächste große Veränderung in der westlichen Theatertradition kam mit dem Romantik Deutsch, besonders Sturm und Drang in der zweiten Hälfte des achtzehnten Jahrhunderts.
Wie in den übrigen Künsten betonte die Theaterromantik Sentimentalität und Dramatik gegenüber dem Rationalismus, der mit der Theatralik aufkam Illustration Französisch. Er bevorzugte dunkle, mysteriöse Themen, insbesondere solche aus der Populärkultur und Folklore.
Das Erbe, das Autoren wie Wolfgang von Goethe (1749-1832) und Friedrich Schiller (1759-1805) mit großen dramatischen Werken wie Faust oder Wilhelm Tell Anfang des 19 neues Genre: das Melodram, das Musik einbezog, um die Emotionen der Charaktere zu betonen.
Aus der Hand von Nationalismus Europäisch setzte sich dieser neue Stil in fast allen Ländern durch und brachte namhafte Werke und Autoren wie Georg Büchner, Victor Hugo, José Zorrilla und viele andere hervor.
Die eigentliche Gründung des modernen Theaters erfolgte jedoch bis weit ins 19. Jahrhundert hinein, mit der Gründung des realistischen Theaters, dem Triumph des Rationalismus über die Romantik. Der Realismus betonte die Notwendigkeit eines naturalistischen Theaters: Bühnenbilder, die denen der Realität ähneln, glaubwürdige Darbietungen und ohne hochtrabende Ausdrucksweise oder Gesten.
Wie erwartet wurde der Realismus in Frankreich, der Wiege der Aufklärung, geboren.Ihren ausdrucksstarken Höhepunkt erreichte sie jedoch in der Feder nordischer Autoren wie des Schweden August Strindberg (1849–1912) und des Norwegers Henrik Ibsen (1828–1906) oder gar des ebenfalls prominenten russischen Kurzgeschichtenschreibers Anton Tschechow (1860– 1904).
Das 20. Jahrhundert und die Gegenwart
Die Ankunft des turbulenten 20. Jahrhunderts brachte die mit sich Avantgarden, eine unaufhörliche Quelle von Innovation formal und ästhetisch, die viele Theaterschulen in Europa und Amerika hervorbrachte.
Im Allgemeinen suchte die Avantgarde nach größerer Intensität und psychologischer Tiefe in ihren Charakteren, gab die drei klassischen aristotelischen Einheiten auf und nahm oft Denunziation und politische Militanz an. Darüber hinaus gewann die Rolle des Theaterregisseurs dank ihnen an Bedeutung gegenüber den Schauspielern; eine dem Filmregisseur vergleichbare Rolle.
Theaterbewegungen der Avantgarde sind zu zahlreich, um sie in ihrer Gesamtheit aufzuzählen, aber es lohnt sich, sie zu erwähnen Expressionismus, das "epische Theater" von Bertoldt Brecht, das Theater des Absurden, verbunden mit der Philosophie von Existentialismus und die Werke von Antonin Artaud, Eugène Ionesco und Samuel Beckett.
Hinzu kommen die Nonkonformität und die antibürgerliche Stimmung der Wütende junge Männer: Harold Pinter, John Osbourne und Arnold Wesker. Andere große Namen der Zeit waren unter anderem Luigi Pirandello, Alfred Jarry, Arthur Miller, Federico García Lorca, Ramón de Valle Inclán.
Seit 1960 versucht das zeitgenössische Theater, sich wieder mit den Emotionen des Zuschauers zu verbinden, weg von epischem Theater und politischen Botschaften. Es gibt zahlreiche theatralische Aspekte, die versuchen, sich von der Bühne zu lösen und das Theater auf die Straße zu bringen oder das Publikum auf die Bühne einzubeziehen oder sogar darauf zurückzugreifen Ereignis oder improvisiertes Situationstheater im wirklichen Leben.